A Dangerous Method, de David Cronenberg, dans les salles le 21 décembre, est entièrement construit sur un réseau d’oppositions.

L’opposition est au cœur même de l’intrigue : le film révèle les raisons de la rupture entre Sigmund Freud (Viggo Mortensen) et Carl Jung (Michael Fassbender), pères de la psychanalyse moderne, au début du XXème siècle. Les hommes s’opposent à la fois sur leurs théories psychanalytiques : Freud prône l’analyse de toutes les situations par le prisme de la sexualité, ce que conteste Jung, et sur leur vie privée : Freud réprouve la relation de celui qu’il considère comme son héritier avec sa patiente, Sabina Spielrein (Keira Knightley).

Ici, ce sont donc deux conceptions du monde qui s’affrontent, la tradition et la modernité, mais aussi la liberté et l’enfermement. Deux termes contraires qui s’incarnent au sein des personnages : bien qu’engoncés et enfermés dans leurs vêtements, les personnages tentent de se libérer par la parole, Freud et Jung étant les précurseurs de la thérapie par la parole. Alors qu’au contraire, il faudra à Sabina Spielrein se contenir dans un cadre et un corset pour se libérer de sa folie. En effet, la jeune femme d’abord folle à lier - au sens propre du terme sera non seulement soignée, mais finira psychiatre et cette progression psychique est signifiée par une évolution de ses costumes et de sa coiffure 

D’un point de vue stylistique, la folie et l’hystérie de Sabina sont contrebalancées par un classicisme de la mise en scène, du filmage et du montage. Là où l’on pourrait s’attendre à des gros plans du visage déformé de Keira Knightley (grandiose, au passage), à des jeux sur la profondeur de champ pour illustrer le doute, David Cronenberg opte pour une sobriété déconcertante. Rien ne dépasse, rien ne vient parasiter l’attention du spectateur, qui peut ainsi entièrement se plonger dans l’histoire. Et c’est finalement de cette opposition, de cette froideur que naît la force du film.

Enfin, qui dit film sur deux psychanalystes, dit film de mots – le film est d’ailleurs basé sur une pièce de théâtre. Les très nombreux, et parfois complexes, dialogues sont le cœur même du film. Ils donnent une leçon d’histoire et offrent par la même occasion à Mortensen et Fassbender de très belles confrontations. Mais ce n’est pas un film bavard, car Cronenberg n’en oublie pas pour autant le corps, objet central de sa cinématographie. Les premières séquences, impressionnantes, dans lesquelles Keira Knightley crie, éructe, se courbe, se tord la mâchoire, les bras, le dos place tout de suite le corps au centre du film. Le corps est également au centre de la relation perverse entre Sabina et Jung. La supériorité intellectuelle de Jung ne lui permet pas de résister à l’appel de la chair, du désir et du plaisir de l’humiliation que manifeste Sabrina. La chair est triste, hélas…

David Cronenberg démontre ici qu’il s’est libéré de ses artifices de l’horreur et de l’épouvante - voire du gore pour explorer plus encore les tréfonds de l’âme humaine.

Cécile Guthleben

Le meilleur film de Beigbeder, proclame non sans malice la bande-annonce de L’Amour dure trois ans… son premier film en tant que réalisateur, adapté de son propre roman. L’égoïste romantique est-il aussi à l’aise au maniement des images qu’à celui des mots ?

Au commencement était le publicitaire. Puis s’est fait connaître le chroniqueur pendant que l’auteur affutait ses plumes avant de connaître un franc succès avec 99 francs. On a alors eu Beigbeder animateur, éditeur, intervieweur, parfois acteur même. Dans la longue liste des métiers en -eur, lui restait à être réalisateur. Voilà qui sera réparé le 18 janvier, date de la sortie de L’Amour dure trois ans, l’adaptation de son troisième roman sorti en 1997. Ce film, il a tenu à le présenter d’abord à Saint-Jean de Luz, dans un Pays Basque où il passe de plus en plus de temps et qu’il filme ici amoureusement. L’avant-première fait sens, le public qui compte nombre d’amis, connaissances ou figurants est conquis. Si l’on tâche de résister à sa propre subjectivité en cherchant les failles, il faut bien avouer que l’on se laisse rapidement emporter.

La plume de Beigbeder rend très bien à l’écran et soutenue par le talent de Gaspard Proust pour les dialogues (qui occupe également son premier rôle au cinéma en jouant le héros Marc Marronnier), les répliques cultes foisonnent. “Au XXIème siècle, l’amour est un SMS sans réponse”, “La gloire me permet de coucher avec n’importe qui, mais elle permet aussi à n’importe qui de coucher avec moi” et tant d’autres qui déclenchent toujours de francs éclats de rire. Alors que le box-office français plébiscite actuellement le comique de situation, c’est un plaisir que l’on avait presque fini par oublier et que l’on savoure. Cependant au début, on ressent la difficulté de l’auteur à sacrifier parfois son roman. Incrustées à l’écran, les citations défilent sans que l’on ait vraiment le temps de les savourer. Un procédé que Frédéric Beigbeder explique par son passé de publicitaire qui lui en a donné le goût, à force de traîner sur les tournages.

Pour autant, en passant de spots de 30 secondes à un film d’1h38, a-t-il sacrifié le sens du détail ? Bien au contraire, les clins d’oeil sont partout. Ainsi, lorsqu’apparaît à l’écran un très court extrait d’iTélévision, le bandeau d’information continue annonce-t-il Beigbeder prix Nobel de Littérature en 2012 (notons également que dans cet univers parallèle, Marc Levy rentre à l’Académie française l’année prochaine). Tant pour les répliques que pour ces détails dont on a certainement ignoré la moitié, c’est un film qui gagne à être revu. Ses potes envahissent la distribution sans que cela soit jamais une erreur de casting : Gaspard Proust et Louise Bourgoin tiennent le haut de l’affiche mais JoeyStarr qui embrasse un mec vaut le déplacement à lui tout seul. Frédérique Bel, Jonathan Lambert, Anny Duperey, Bernard Menez mais aussi dans leurs propres rôles Michel Denisot, Ali Baddou, Ariane Massenet, Michel Legrand, Nicolas Rey, Pascal Brukner, Marc Levy, etc. : Frédéric Beigbeder a convié son entourage à la fête, y compris sa fille et sa fiancée. Le potentiel d’acteur de Nicolas Bedos (pour la première fois au cinéma lui aussi) se confirme quand Valérie Lemercier excelle en éditrice cynique.

Beigbeder s’amuse et cela se sent. Le plaisir pris à l’écran et derrière la caméra parvient jusqu’au spectateur. “J’ai réalisé ce premier film comme si c’était le dernier”, avoue-t-il, lucide sur les conséquences d’un échec. Ainsi a-t-il filmé les gens qu’il aime comme les lieux qu’il affectionne. Le port de Guethary, le rocher de la Vierge à Biarritz, Saint-Jean de Luz : la carte postale du Pays Basque est sublime (et l’on sent toute mon objectivité ici, même si l’accent basque du curé de village n’est pas très crédible). Du côté de Paris, on retrouve évidemment l’Hôtel Amour, le Montana, le Café de Flore et tous ces lieux que l’on connaît bien, qui lui font nous préciser dans un clin d’oeil que c’est un peu “un film de bobos”. Frédéric Beigbeder s’est fait plaisir dans ce film qu’il ouvre par un extrait d’interview de Bukowski, une autre de ses références. “Parfois, quand on écrit des livres ou que l’on fait un film, il faut être un peu égoïste…”, confesse-t-il à l’issue de la projection. Egoïste mais pas onaniste. Sans être un film académique pour les plus puristes des cinéphiles, il ne faut pas avoir peur de citer L’Amour dure trois ans parmi ces films où le plaisir traverse l’écran.

Bobo Bix

L’Amour dure trois ans, en salles le 18 janvier

A lire également, notre interview de Frédéric Beigbeder sur les bobos réalisée en novembre 2010.

Mélanie Laurent est passée derrière la caméra. Son premier film, Les Adoptés, sort en salle aujourd’hui. Nous l’avons vu et nous en sommes sortis partagés. L’un aime, l’autre pas.

• POUR

Il faut du temps pour se débarrasser de Mélanie Laurent dans le premier film de Mélanie Laurent. Celle qui se définit elle-même comme une actrice bobo, a plutôt eu tendance à nous agacer en révélant une susceptibilité à fleur de peau à l’occasion de la sortie de son album. Dès lors, comment estimer objectivement son film, Les Adoptés, sans être parasité par l’image publique de la réalisatrice ?

En endossant le rôle de Lisa, une jeune mère célibataire, jalouse et possessive lorsque sa soeur, Marie tombe amoureuse de son nouveau mec Alex, on peut légitimement se laisser agacer par le côté tête à claques du personnage, capable de faire la gueule parce que Marie zappe le traditionnel brunch familial du dimanche (que celui qui a dit cliché se manifeste de suite !).

Tout au long du film, c’est tout l’esprit bobo que l’on retrouve : une mère (Clémentine Célarié en blonde) qui vit dans un loft, une soeur libraire, l’autre luthière et chanteuse, des appartements entre pièces Habitat et meubles vintage, un Moleskine qui traîne à l’occasion et des références culturelles évocatrices distillées à foison. Un univers familier qui aide à rentrer dans le film, même si l’on a l’impression que ces clichés ont aussi gagné le synopsis des Adoptés, où l’on retrouvé toutes les recettes du cinéma d’auteur français.

Un peu prévisible mais après tout, assez efficace, on se laisse porter par le film en sachant très bien où il nous amène. Les Adoptés n’est pas un grand film mais ce n’est pas un mauvais premier film. On y trouve même des choses très intéressantes qui dessinent une certaine touche Mélanie Laurent. Ce qu’elle évoque comme “des petits riens qui ne constituent pas le film mais qui construisent son ambiance, sa matière, son sens”.

Parfois, la réalisatrice tombe à plat dans une utilisation abusive du flou, même si elle prétend apporter ainsi un recul qu’on n’aurait pas sur une image classique. Mais généralement, on apprécie un sens de l’esthétique très fort sur certains plans, qui ne durent parfois que quelques secondes mais illuminent tout le film. Comme cette petite voiture délaissée sur un carrelage en mosaïque. Une belle image. C’est aussi ça le cinéma. 

Bobo Bix

• CONTRE

N’ayant rien contre Mélanie Laurent, je suis allé voir son premier film comme réalisatrice sans aucun a priori. Rassurons d’entrée tout ceux qui aiment tant détester le comédienne, elle est assez en retrait de son propre film.

En effet, Les Adoptés est l‘histoire d’une famille (de filles) fusionnelle. Tout tourne autour de sa sœur interprétée par Marie Denarnaud et de la recomposition de cette tribu après sa rencontre avec l’homme de sa vie joué par le trop méconnu Denis Ménochet. On se réjouit de la (bonne) idée d’avoir confié le rôle de la mère à Clémentine Célarié qui sait être touchante quand elle a un rôle consistant. Dans cet arbre généalogique,  Mélanie Laurent n’a pas forcement le beau rôle : elle brille surtout par son immaturité.

Autre surprise, la comédienne-réalisatrice a cherché à styliser son film graphiquement en soignant l’image, en lui donnant une patte. Mais le problème c’est que ce genre de procédé fonctionne sur un clip de 4 minutes, moins sur un film de 90 minutes. Du coup, le flou de Mélanie Laurent est vite épuisant. Pire, il contribue à gâcher les quelques scènes importantes du film déjà bien alourdies par des dialogues mièvres.

Son scénario a le même problème, il est vite à bout de souffle et, seules d’énormes ficelles scénaristiques vues et revues dans tous les films français sont utilisées pour nous maintenir réveiller en alerte. Le récit est une succession de clichés dans lequel se cache une insupportable une série de clins d’œil au public bobo (il y a inévitablement un brunch, toutes les cinq minutes on entend parler d’un auteur de littérature anglo-saxonnne inconnu et les références cinématographiques sont très maladroites ). Ce genre d’effet miroir qui nous insupporte. J’ai moi aussi des sœurs qui ont des problèmes de filles pour ne pas avoir envie de les retrouver au cinéma !

Au bout du compte, il ne reste pas grand chose à un film qui se cherche beaucoup, et ne nous trouve jamais. Avec Les Adoptés, Mélanie Laurent voulait montrer ses tripes. Mais avec ce film assez insipide, pas sûr, au final, qu’elle enlève le vernis de superficialité qui lui colle à la peau…

Bobo Ben